29 Sep Maîtriser la voix et le mouvement au théâtre et au cinéma
Le métier d’acteur / d’actrice mobilise constamment le corps et les sens de l’être humain.
Devenir comédien, c’est apprendre à maîtriser son corps pour mieux transmettre des émotions.
La voix et le mouvement, au théâtre comme au cinéma, sont des piliers de cette maîtrise du corps.
La voix au théâtre et au cinéma
La voix est directement reliée au son et à l’acoustique d’un espace.
Apprendre à « poser sa voix » est indispensable pour être entendu, peu importe le lieu (salle de théâtre, théâtre en plein air, lieu de tournage, …).
Car tous les lieux n’ont pas une acoustique aussi exceptionnelle que le célèbre théâtre antique grec d’Epidaure ! Il est donc nécessaire de comprendre ce qu’est un timbre de voix, la diction, l’intonation ou encore la respiration.
Le timbre de voix
On sait généralement si sa voix est aiguë ou grave. Mais qu’en est-il du timbre vocal ?
Les timbres de voix sont classés par rapport aux ambitus. Un ambitus, c’est l’écart entre la note la plus grave et celle la plus aiguë d’une voix : nous avons tous un ambitus qui nous est propre.
Une fois que l’on connaît son timbre de voix, on peut l’enrichir avec, par exemple, des exercices de résonance.
La diction
Utiliser sa voix sert principalement à être entendu et … compris !
Le travail de diction est indispensable pour les comédiens. S’ils ne sont pas intelligibles, alors l’auditoire décroche.
Détendre sa mâchoire, utiliser l’expression de son visage, jouer avec la respiration font partie des techniques pour améliorer sa diction.
L’intonation
C’est la mélodie de la voix, une partition que l’acteur va créer pour jouer avec ses propres notes.
En appuyant sur différentes intonations, le comédien capte l’attention de son public.
Un mot peut être exprimé de mille façons selon l’intonation qu’on lui donne !
La respiration
L’acteur doit pouvoir la contrôler pour poser sa voix correctement et transmettre ses émotions de manière efficace.
Chez le comédien, la respiration est abdominale (au niveau du ventre) et non pas pulmonaire. S’il inspire et expire lentement, le comédien peut exprimer la réflexion, le calme, la détente. A l’inverse, s’il a le souffle coupé ou saccadé, le comédien peut exprimer la douleur, la peur ou encore l’anxiété.
Le mouvement au théâtre et au cinéma
Tout aussi important que la voix, le mouvement est l’essence même de l’expression corporelle.
Chaque comédien ou comédienne doit être capable d’envisager son corps comme un outil de travail. Pour cela, il faut être capable d’accepter son corps et de l’apprivoiser.
L’expression corporelle
Le mouvement, sur scène ou sur un plateau de tournage, passe par l’expression corporelle : le comédien joue avec son corps pour exprimer une attitude, une émotion à travers son jeu.
L’expression corporelle peut être complètement dissociée du son et de la voix. C’est là d’ailleurs tout l’enjeu de cette technique ! Pouvoir transmettre une histoire, une émotion sans toujours se servir de sa voix.
Pour cela, on va jouer avec les gestes, l’expression du visage, la démarche, la posture, le port de tête, …
Le mime
Parler du mouvement sans évoquer le mime serait inconcevable !
Le mime est un genre théâtral dans lequel l’acteur joue un rôle muet. Il n’utilise donc pas sa voix et ne se sert que de son corps et du mouvement pour jouer.
Sa création remonterait à la Grèce antique. Les mimes les plus connus du grand public sont Jean-Gaspard Deburau (et son personnage de Pierrot) et le mime Marceau.
Occuper l’espace et interagir
Savoir occuper une scène et se situer dans l’espace font aussi partie des techniques à maîtriser pour devenir acteur ou actrice.
Il faut également prendre en compte les autres acteurs et actrices avec lesquels on doit interagir.
Comme nous venons de le voir, la voix et le mouvement sont partie intégrante du métier d’acteur. Cela requiert à la fois une maîtrise et une liberté vocale et gestuelle.
C’est pourquoi, à l’école de théâtre et de cinéma Aberratio, nous travaillons ces techniques dès la 1ère année de formation au métier de comédien.